THINKof.butDOIT

2011-03-17T00:06:00.003Z

LOS TORREALBEROS

COMO SUENA MY NIÑEZ

He descubierto a You Tube la musica que ha adornado el escenario placeroso de mi niñez. El harpa de Don José Vicente Torrealba cantando cristalina y alegre en una cascata de sonidos hermosos, modelando mis sueños y la mirada sobre el mundo. Tiembla aun el alma quando le oigo y el deseo vuela a Caracas, no la de hoy, sino la que cristalizó en la memoria de una niña deslumbrada.

Los bailes llaneros mueven los pasos de un cuerpo interior que vibra. El ritmo contento hecho de la ligereza pura de la hembra que se enpluma y revolutea cortejada por el varón. Los pequeños y ligeros pasos del bailarín de blanco o negro paletó.

Me recuerdo de cantar Alma Llanera y de aburrir mamita para que comprara un vestido de largas y bordadas faldas pintadas de color y de magia.

Yo nací en esta ribera

Del Arauca vibrador.

Soy hermano de la espuma,

De las garzas, de las rosas.

Soy hermano de la espuma,

De las garzas, de las rosas,

Y del sol, Y del sol.

Me arrulló la viva diana

De la brisa en el palmar,

Y por eso tengo el alma,

Como el alma primorosa.

Y por eso tengo el alma,

Como el alma primorosa,

Del cristal, Del cristal.

Amo, sueño, canto, rio

Con claveles de pasión,

Con claveles de pasión.

Para ornar las rubias crinas

Del potro de mi amador.

Yo nací en esta ribera

Del Arauca vibrador.

Soy hermano de la espuma

De las garzas, de las rosas,

Y del sol, Y del sol.

Con una lírica tan llena de alegria, naturaleza, vibración y sol, la índole de mi alma se ornó de esa brisa, de esa espuma y del clamor rubio, primoroso y iridiscente del cristal.

VÍDEOS - You Tube - Los Torrealberos y Danza Llanera de Maracay - Venezuela

2011-03-14T21:24:00.002Z

ELVIS PRESLEY

BLUE SUEDE SHOES

Well, it's one for the money, two for the show
Three to get ready, now go, cat, go
But don't you step on my blue suede shoes
You can do anything but lay off
Of my blue suede shoes

Well, you can knock me down, step in my face
Slander my name all over the place
Do anything that you want to do, but uh-uh
Honey, lay off of my shoes
Don't you step on my blue suede shoes?
You can do anything but lay off
Of my blue suede shoes

You can burn my house, steal my car
Drink my liquor from an old fruit jar
Do anything that you want to do, but uh-uh
Honey, lay off of my shoes
Don't you step on my blue suede shoes?
You can do anything but lay off
Of my blue suede shoes

Well, it's one for the money, two for the show
Three to get ready, now go, cat, go
But don't you step on my blue suede shoes
You can do anything but lay off
Of my blue suede shoes

Blue, blue, blue suede shoes

Blue, blue, blue suede shoes, yeah

Blue, blue, blue suede shoes, baby

Blue, blue, blue suede shoes

You can do anything but lay off

AWOP- BOP-A- LOO-BOP-A- LOP BAM-BOOM!!!

Elvis explodia em euforia, força vocal, corporização rítmica vibrante, sensualidade e ousadia. Com um rosto de anjo malvado, cabelo estruturado em brilho negro, enlouquecia os jovens e as meninas. Quebrando as normas da madura classe média branca, irrompeu no ambiente musical de 50, inovador, selvagem e atrevido, numa imagem desenhada em cetins, pedraria, tachas, capas, golas gigantes. Era o Rei!!!

A voz magnífica que viajava entre o atrevimento do rock e o romantismo mais idílico, associados a uma beleza intensa do rosto, uma produção visual mítica e inteligência cénica colocaram-no no trono que ainda hoje não lhe podemos negar.

FOTOS - Imagens do Google

VÍDEO - You Tube

2011-03-09T21:26:00.059Z

A MAN'S WORLD

Natacha Atlas (nascida a 20 de Março de 1964) é uma cantora cujo estilo musical mistura sonoridades do Médio Oriente e Norte de África com a música electrónica. Interpreta a maior parte das suas canções em árabe, mas também canta em inglês, francês e castelhano.

É rico e sedutor o timbre vocal de Atlas. O canto é sinuoso, ornamentado e sugestivo. Os textos emergem, bordados pelas miscigenadas sonoridades, que se vão configurando entre a música acústica tradicional árabe e o pop electrónico . Os arranjos, hipnóticos, vivem de lamentos, batidas fundas de trip hop, voos no house e um inquieto e quebrado drum and bass.

Com uma larga pesquisa em música indiana e latina e assumindo um reportório construído entre várias influências étnicas, expresso numa diversidade de linguagens musicais, Natacha Atlas foi nomeada em 2001, pelas Nações Unidas, Embaixadora para a Boa Vontade no âmbito da Conferência Internacional contra o Racismo. O fundamento da escolha refere-a como um modelo que personaliza uma forte mensagem multicultural indiciando a diferença étnica, racial ou religiosa como fonte de riqueza e não como ameaça.

O tema deste vídeo ilumina, sem mais palavras, o texto que publiquei ontem, no Dia Internacional da Mulher. A imagem de entrada, a preto e branco, de leitura metafórica, é também um luxo.

Vamos ouvir e absorver a lírica:

This is a man's world, this is a man's world

But it wouldn't be nothing, nothing without a woman or a girl

You see, man made the cars to take us over the road

Man made the trains to carry heavy loads

Man made electric light to take us out of the dark

Man made the boat for the water, like Noah made the ark

This is a man's, a man's, a man's world

But it wouldn't be nothing, nothing without a woman or a girl

Man thinks about a little baby girls and a baby boys

Man makes then happy 'cause man makes them toys

And after man has made everything, everything he can

You know that man makes money to buy from other man

This is a man's world

But it wouldn't be nothing, nothing without a woman or a girl

He's lost in the wilderness

He's lost in bitterness

VÍDEO - You Tube, depois de seguido na postagem da Maria Miguel, no Faebook.
FOTO - Imagens do Google

2011-03-09T00:57:00.002Z

DIA INTERNACIONAL DA MULHER

Tenho dificuldade em aceitar muitas das manifestações que são habituais na comemoração deste dia. Sempre achei que o facto de os seres humanos serem homem ou mulher, com uma particular interpretação/representação, mais cultural que genética, do mundo, não deveria pesar na prática social de iguais direitos e deveres como pessoas e cidadãos.

Como tal não acontece, mesmo no nosso reduto ocidental, onde a exploração da mulher se faz de forma mais hipócrita e velada, não aceito que algumas bem nascidas sejam alvo de inúmeras atenções, desbragadamente induzidas pelo marketing, enquanto que sob a espuma da conveniência ficam na obscuridade dois tipos de mulher:

- A que de alguma forma trabalhou ou trabalha, no fio da navalha da indiferença ou, de forma mais grave, da insídia e condescendência.

- A que é escravizada para fins ditos 'sexuais', abusada pela repressão e mau-trato, ferida, vilipendiada, ignorada e silenciada sem qualquer punição dos crimes de que é o alvo.

Sou humanista e como tal ergo a minha palavra tanto em defesa do homem como da mulher que, em situação precária, são abusados por sistemas ou pessoas imorais e criminosos. Creio, porém, que a situação de integridade física e moral da mulher no mundo é dolorosamente mais grave que a do homem. Daí vejo que este dia poderá fazer sentido se for usado, não para festejar com flores ou caramelos a estabilidade asséptica das mulheres confortavelmente instaladas, mas, para:

- Evidenciar modelos femininos que fizeram a diferença e transformaram o mundo.

- Desvelar prepotência, escravatura e crimes perpretados contra a mulher.

- Debater direitos humanos e tentar com isso desconstruir modelos culturais que afirmam como tradição as mais abomináveis práticas.

Como comemoração proponho a imitação de pelo menos alguns traços da alma de:

Marie Curie 1867-1934

Foi a primeira mulher a receber o prémio Nobel e a primeira pessoa a recebê-lo em duas categorias separadas: Física, 1903, pela sua investigação em radioactividade e Química, 1911. Alguns anos mais tarde ajudou na construção dos primeiros aparelhos de raios X.

Simone de Beauvoir 1908-1986

Uma das líderes da filosofia existencialista do século XX, desenvolveu uma intimidade pessoal e intelectual com Jean Paul Sartre. O seu livro O Segundo Sexo denunciou as tradições sexistas que dominavam a sociedade e a narrativa histórica. Este livro alvo de enorme controvérsia teve um enorme impacto na mudança de mentalidades relativamente ao papel da mulher na sociedade.

Madre Teresa de Calcutá 1910-1997

Como Missionária de organizações de caridade tratou, pessoalmente, cerca de 1000 doentes e moribundos em Calcutá, acompanhando a generosidade activa com palavras de incentivo ao amor entre os homens e à paz. Recebeu o Prémio Nobel em 1979 e é reconhecida como um ícon de altruísmo.

Irene Sendler 1910-2008

Uma das grandes heroínas da resistência polaca ao nazismo, tendo sido nomeada para o Prémio Nobel da Paz. Salvou centenas de crianças do extermínio nazi correndo inúmeros riscos que colocaram a sua vida em perigo.

Agustina Bessa-Luís 1922

Escritora portuguesa que no cômpito geral da sua enorme e rica obra literária destaca a força, coragem, determinação, inteligência e estratégia da mulher portuguesa, de todas as classes sociais.

FOTOS: Imagens do Google

1. Esther, 500 a.c., Rainha de Xerxes, Rei da Pérsia. A sua atitude corajosa como rainha evitou que o povo de Deus, que permanecia na Pérsia, sofresse um genocídio.

2011-03-06T00:16:00.001Z

VIAGEM E/PELA LEITURA

GRÉCIA

A primeira edição de Um Adeus aos Deuses, de Ruben A., data de 1963. A abordagem que faz da sua estadia na Grécia nada tem de narrativa casuística ou factológica mas, esculpida em impressões surrealistas, consciente de uma consistente e poderosa bagagem histórica é mais facilmente absorvida pela identificação emotiva de quem já viveu estes lugares.

O livro abre-se para quem viaja, não na intenção de coleccionar lugares e objectos turísticos, mas para descobrir a identidade e a razão dos lugares, como também, para ali situado, pressentir a razão do que É e os caminhos que até SI percorreu.

Mas que fale a poética da escrita:

'Uma Grécia despida de importância, sem oiro de renascenças, coisa pura, límpida, ao gosto civilizado do homem culto, uma humanização de luz penetrada da mais forte simplicidade.'

'O extraordinário destes sítios é obrigarem a trazer à flor do sentimento e à beira da inteligência perfurações que vão a milhares de metros de profundidade do nosso ser. Arranca-se cá de dentro o acamado de séculos de humano, de valores intemporais que surgem estáticos e imóveis, mas virados à testa do Pártenon como implorando o que de religioso há no homem que se encontra frente a frente ao mais poderoso e laico espírito da compreensão.'

'Os mitos são os aviões, os símbolos são os comboios. Na Grécia tudo o que é símbolo é pertença dos homens, está agarrado à terra, discute em paralelas, viaja ao correr da noite e apita com silvos que estoiram de encontro às montanhas - os mitos ambicionam conversar com os deuses, realizarem-se na intempérie das tragédias, criarem tipos e formas, quase nos patamares em que os deuses espreitam.'

'O que é espantoso é perder-se a ideia de infância, de pátria, de antepassados. O homem aqui vive de uma liberdade que o eleva para outras paragens, há uma obrigação no ar, nas colunas, nas estátuas, no congelamento dos livros, uma obrigação a mergulhar no domínio dos deuses criados pelo homem, pelas suas ambições imediatas de contactar a divindade, através da tragédia ou da forma de beleza que se entrega na medida humana.'

'A Grécia não tem nada de orquestral. Tudo é música de câmara. Nisto Henry Miller tinha razão. Quando Mozart lhe aparece dos brancos das ilhas, do casario íntimo de cal deitada às barradas sobre as casas, ele compreende bem o sentido profundo da música de câmara que invade o espírito. Há uma transposição musical em diálogo que nunca vai além de orquestra de câmara, fixando-se na comunhão íntima dos instrumentos de quinteto ou em sonatas para duo. Caminha-se por aqui, sempre a dialogar, uma força bruta agarra-nos cá por dentro a conversas que vão e vêm na harmonia do violino e do piano nas sonatas de Beethoven. É o culto do indivíduo, a liberdade de se ser gente, a fome insaciável de amolar o fio da navalha que cria a dúvida terrível entre a besta, o homem e Deus.'

CITAÇÕES - A., Ruben (2010). Um Adeus aos Deuses. Lisboa: Assírio & Alvim. pp.17, 28, 32, 41.

FOTOS - Vista aérea da ´cidade de Atenas; A Acrópole iluminada; Santorini; - Imagens do Google.

2011-03-03T22:38:00.003Z

FAVORITE SONGS - FAVORITE BANDS - THE 60'S

THE BEATLES

The Beatles used this song to end many of their early live performances. It was always a huge hit when they played it in concert, and was chosen as their opening song at their Shea Stadium performance on August 15, 1965 - the first Rock concert held in a stadium.

John Lennon admitted that he screamed the lyrics. The Beatles had to sing loud when they did countless live shows in their early years. Lennon had a bad cold and a sore throat when he recorded this song. That's what gave the lead vocal the "strained" sound that it has.

Paul is not a better singer than John, he just reaches the high notes easier cause that's the way his voice is. Paul has a nice soft voice, but John's voice is that Beatles-soundy that you need on that Rock n roll songs. John sounds great on that kind of songs.

I love this song, it's very high energy - it makes even me want to dance. I consider John Lennon's vocal on this record one of the most sexy's rock n' roll performance ever!

VÍDEO - You Tube
FOTO - Imagens do Google

2011-02-22T00:43:00.008Z

AS CRIANÇAS E A CULTURA MUSEOLÓGICA

MUSEO E CENTRO DE ARTES REINA SOFIA
16 DE FEVEREIRO EM MADRID

“ Estamos cada vez mais na via de poder ouvir uma interpretação do mundo tal como ele é. (...) A criança vê as coisas com olhos não acostumados e ainda possui a pura capacidade de sentir as coisas como elas são.“

Wassili Kandinski, (1886-1944)

Todos os dias, de forma consciente ou não, aprendemos lições que alteram a forma como interagimos com o mundo. No adulto essa influência da cultura raramente abala os alicerces da sua cristalizada personalidade. Para a criança o contexto cultural é determinante porque a indiferenciada ductilidade dos processos mentais que se estruturam, numa liberdade curiosa de descoberta, permitem uma assimilação pouco filtrada das experiências.

A gestão do contexto e dos recursos educativos viabilizados pela família e pela escola são, por isso, determinantes na prossecução de uma personalidade moral próactiva, inteligente e criativa.

A vida mental da criança está intimamente ligada à sua experiência sensório-motora. As experiências sensoriais são modeladoras da forma como os meninos apreendem a realidade e logo a transformam. Uma educação equilibrada, sadia e desafiante, dos sentidos e das emoções, tempera a mente dos meninos abrindo-os ao espectro solar da vida.

Provocar a imaginação e sustentar saberes estruturantes não pode limitar-se a uma forma sincrética de informar ou ao possibilitar de experiências múltiplas sem um contexto agregador. Tentar estabelecer uma ilha de capacidade num oceano de cegueira é, em última análise, o malogro.

No Museu da Rainha Sofia fui, pela minha natureza de criança disfarçada de adulto, profundamente tocada pela grandiosidade artística, intemporal, desses poetas plásticos, que leram o mundo com olhos iluminados e sensíveis. Sorri com o sorriso estrelado de Miró, viajei sonhando pelas metáforas do Dali, descodifiquei a fantástica organização conceptual de Picasso encontrando, sempre, na sua honesta simplicidade de recursos, uma nova complexidade de intenções.

A dado momento não pude alhear-me de uma outra realidade do Museu que se constituiu como poderosa lição. Em muitas das salas que visitei dividi o espaço com grupos de crianças ou de jovens que, acompanhados pelos educadores e professores, interagiam com os desafios artísticos expostos e reflectiam sobre os mesmos em leituras pessoais diversas.

Assisti, no acto, a um exercício de imortalidade, a um parentesco cósmico do sentir e do expressar, à experienciação de um fluxo de comunicação paranormal cujo veículo foi a arte.

Duma forma holística e integradora continuadamente realizamos que, a história do que foi é declaradamente a história do que somos, a história com que aprendemos e a história que, visitada e interrogada, nos permite recombinar para aspirar a mais e permitir ininterruptamente o acto criativo.

10. 11.

A lição apreendida tem a ver com essa consciência que as escolas e as famílias espanholas têm da importância da cultura artística como vector de construção de um pensamento autónomo, estético e implicitamente moral, político e ético.

Existem no Museu e Centro de Artes múltiplos serviços que programam actividades para crianças e jovens, famílias e escolas entre outros actos culturais.

O Museu possui uma livraria especializada em que os livros de arte para crianças ou os livros de histórias infantis, concebidos como objectos artísticos, são um convite tentador e subversivo.

Incorporada no edifício, como um recurso orgânico e crítico, atrai-nos a luminosa e ampla biblioteca do museu que alberga mais de 100.000 livros e documentos, 3.500 gravações sonoras e cerca de 1.005 vídeos.

Livres de espírito, auto-determinados, assertivos e proactivos, respeitando o melhor da sua cultura, não admira que deste fermento tenha medrado o talento expressivo artístico e que os espanhóis queiram dar à luz mais Dali, mais Miró, mais Picasso, mais Tapiés ...

Referindo-se à arte da Pintura Picasso afirmou:

“A Pintura é Poesia

E é sempre escrita em verso

Em rimas plásticas

Nunca em prosa.”

Esta Arte-Poesia estabelece o equílibrio prazeiroso entre as emoções e a razão. A ruptura deste delicado sistema é a causa de muitas das doenças do nosso século. As rotinas culturais elevadas educam a criança com o melhor que a sua família alargada tem para absorver.

Melhor que ir ao psicólogo, ou ao terapeuta é, sem dúvida, ir ao Museu!

REVISÃO LITERÁRIA - http://www.museoreinasofia.es/index.html

FOTOS - VCB:
1. Alçado lateral do Museu e Centro de Artes da Rainha Sofia;
2. Pátio interior de acesso ao Museu;
3. Sala de exposição;
4. Sala em que se expõe a obra-prima de Picasso 'Guernica', 1937, na qual se encontravam crianças e jovens que estudavam e debatiam a composição;
5. 'Femme et Chien devant la Lune' - Miró, 1936;
6. Estudo de pormenor do quadro 'Guernica' de Picasso, 1937;
7. Pintura 'Escargot, Femme, Fleur, Étoile' - Miró, 1934;
8. Esculturas dinâmicas 'Tertúlia' de Angelo Santos Torroella,1929, e interacção das crianças;
9. Criança que faz a leitura de uma planta do museu, actividade integrada numa caça ao tesouro;
10. Escultura em bronze 'O Grande Profeta' de Pablo Gargallo, 1933;
11. Escultura em bronze 'Mulher no Jardim' de Pablo Picasso, 1932.

2011-02-20T02:20:00.010Z

MUSEO NACIONAL DEL PRADO - 15 FEVEREIRO EM MADRID

Na semana anterior já se haviam preparado as visitas. Revisão das matérias, relembrar de épocas e estilos, estudar concepções artísticas, situar no roteiro essencialista algumas obras e autores que desenharam perspectivas e dinâmicas, esculpiram sentimentos, revelaram segredos, afirmaram crenças, juízos e concepções. Artistas que redefiniram uma estética social, moral e política cujos traços impregnaram a forma como hoje sabemos o mundo.

Pequeno apontamento transversal. A destacar:

Rogier Van der Weyden (1435-1438)

A Virgem e o Menino (Óleo sobre madeira)

Interpreta uma realidade que se situa entre a escultura, a arquitectura e a pintura. O nicho tem uma representação gótica e a virgem e o menino aparecem como que esculpidas no seu altar. As referências arquitectónicas são bem visíveis e magnífica a qualidade da cor e o cair desdobrado do tecido.

Correggio (1489-1534)

Noli me Tangere (Óleo sobre madeira transferido para tela)

Primeira aparição de Cristo depois da sua morte. Maria Madalena, ricamente vestida, reconhece-o e ajoelha-se. O quadro atrai a permanência do olhar pela sua intangível dinâmica de bailado, pelo forte entendimento entre os personagens, pelos recursos plásticos delicados e suaves.

El Greco (1541-1614)

El Caballero de la mano en el pecho (Óleo sobre tela, 1580)

A partir desta obra El Greco passa a ser alvo de reconhecimento. Seguindo a tradição do retrato espanhol o quadro impõe-se pela sua sobriedade, distanciamento e detalhe.

Diego Velasquez (1599-1660)

Retrato equestre do Conde Duque de Olivares (Óleo sobre tela, 1634)
A ascendência e importância do Duque de Olivares é revelada pelos pormenores cuidados do seu traje, pela expressão altiva do seu rosto e pela postura erguida do cavalo. O jogo de luz e sombra e a perícia do tratamento cromático, que se insinua até ao detalhe, obrigam à permanência do olhar, materializando um delicado e jubiloso prazer.

As Meninas ou A Família de Filipe IV (Óleo sobre tela, 1656)

Obra-prima do pintor, a tela, colocada em destaque, atrai o olhar do visitante. O quadro é revelador da nobre posição social desta família. Ilumina, ao centro, a infanta Margarida, rodeada pelas Meninas, suas aias. Na porta do fundo reconhece-se o aposentador real, José Nieto e, no espelho, reflectidos, o Rei e a Rainha. O próprio Velasquez se representa, à esquerda da composição, exibindo no seu traje a cruz de Santiago e reforçando, com a sua presença, a nobreza do seu papel na corte e a nobreza da sua arte.

José Ribera (1591-1652)

A Madalena Penitente (Óleo sobre tela, 1641)

A representação do artista releva uma Madalena de extraordinária beleza que, depois de uma vida de pecado, se recolhe e penitencia. São símbolos desta dicotomia: O rico manto vermelho sobre a rusticidade negra do vestido e o rosto delicado, que rezando uma candura inocente, contrasta, sem culpa, com a voluptuosa e redonda nudez dos ombros.

Juan Fernandez, El Labrador (1587-1657)

Cachos de Uvas (Natureza morta - Óleo sobre tela, 1620)
Transparentes, suculentas, saborosamente apetecíveis.

Tomás Hiepes (1610-1674)

Duas Taças de Frutos sobre a Mesa (Natureza morta - Óleo sobre tela, 1642)

Hiepes é o principal representante da pintura barroca sobre naturezas mortas. De salientar a simetria dos elementos representados, o ponto de vista elevado, a proximidade dos objectos, o seu realismo e detalhe.

Albrecht Dürer (1471-1528)

Adão e Eva (Óleo sobre madeira, 1507)

Uma delicada e expressiva representação de Adão e Eva. A obra ultrapassa o carácter religioso. O quadro, em duas tábuas separadas, de tamanho natural, indica a individualidade de cada ser. No Adão só a maçã lhe confere identidade enquanto, na Eva, os símbolos que a definem são a serpente e de novo a maçã. O olhar de Eva dirige-se dissimuladamente a Adão e faz antever a eminente quebra da lei estabelecida.

Ticiano (1489-1576)

Adão e Eva (Óleo sobre tela, 1550)

Baseado no relato do Génesis, inspira-se na antiga estatuária e em obras, contemporâneas, como o fresco de Rafael e as gravuras de Dürer. Apresenta alguma inabilidade na composição mas o soberbo colorido da paisagem de fundo redime-o.

Murillo (1617-1682)

A Imaculada do Escorial (Óleo sobre tela)
Murillo executou cerca de 20 versões da Imaculada. Quatro delas encontram-se no museu do Prado. Esta pintura, em particular, apresenta uma virgem ainda menina.

Peter Paul Rubens (1577-1640)

As Três Graças (Óleo sobre tela, 1635)

As figuras femininas, voluptuosas, representavam três virgens puras, ao serviço de Afrodite, deusa do Amor. Do lado esquerdo o pintor usa como modelo a sua própria mulher. Além da redonda sensualidade, a composição apresenta um grande equílibrio e uma alegria espelhada de luz.

Goya (1746-1828)

La Maja Desnuda (Óleo sobre tela, 1800)
Figura de mulher nua, em pose, com rosto inexpressivo. A pintura foi proibida por ser considerada licenciosa.

La Maja Vestida (Óleo sobre tela, 1800)

Goya pinta a mesma mulher, agora vestida, em traje branco, insinuando o corpo. A expressão do rosto é irónica e divertida, já que, a voluptuosidade feminina se acentua pelo falso esconder das formas proibidas.

Saturno Devorando o Filho (Pintura mural transferida para tela, 1821)
Em 1819 Goya comprou a Quinta del Sordo uma casa de campo nos arredores de Paris. Aqui o pintor decorou as paredes das duas divisões principais com as conhecidas Pinturas Negras que parecem ter como tema a maldade, o terror, a ignorância e a morte. São comuns a todas elas o exagero dos gestos e atitudes, a liberdade da pincelada, a utilização de traços enérgicos e manchas, assim como os contrastes de luz e cor. A sua violenta afirmação provocou um enorme fascínio e aproveitamento por parte das correntes vanguardistas, expressionismo e surrealismo, que as tomam como percursoras da arte moderna.

Thomas Lawrence (1769-1830)

Miss Martha Carry (Óleo sobre tela, 1791)

Prelúdio do Romantismo e auge da pintura inglesa. A delicadeza da composição está presente no cristalino olhar, no arrebatado ondular dos cabelos, na leve e transparente espuma do fluído rebuço. A pureza refinada do rosto e o alvo modelado do vestido afirmam-se sobre os tons quentes do pesado reposteiro de veludo.

Muñoz Degrain (1840-1924)

Antes de la Boda (Óleo sobre tela)
Este quadro integra-se na séria 'Os Amantes de Teruel'. História trágica de dois apaixonados que, separados pelos pais, acabam por morrer de paixão. O desânimo da noiva, obrigada a casar com a escolha paterna, destaca-se, melancolicamente, imerso na beleza e sumptuosidade dos tecidos.

Os Amantes de Teruel (Óleo sobre tela)

Na sua visita ao túmulo do amante, depois de um beijo de despedida, a bela noiva morre por amor. Um quadro magnífico que recria um romance da mesma época.

Raimundo de Madrazo y Garetta (1841-1920)

Doña Inês (Óleo sobre tela)
A modelo do pintor é a actriz Maria Guerrero que, nessa época, era aplaudida pela sua interpretação teatral de Doña Inês. O retrato é fiel e intimista ao revelar não só a beleza calma do rosto como a interioridade reflectida do personagem.

Aline de Masson, A mulher do Artista (Óleo sobre madeira, 1876)
O olhar entornado de atrevimento e provocação. A postura erguida em segurança e uma boca, entreaberta, feita rubro desejo. Uma luz texturada de primorosa beleza. O enquadramento escuro que sustenta o requinte e incendeia a paixão.
O mais puro realismo burguês em voga nos círculos parisienses.

Joaquin Sorolla (1863-1923)

Meninos na Praia (Óleo sobre tela, 1910)

Uma das mais significativas obras de Sorolla, reveladora de plena maturidade plástica. Os jogos da luz do meio-dia, sobre a água, evoluem em largas pinceladas amarelas, queimadas e malvas, definidoras de imediatismo e de uma forte sensação de vida. O enquadramento é fechado, próximo, numa composição diagonal. A luz abre-se, desde o fundo, eclodindo, clara e absoluta, na nudez bem definida do primeiro menino.

FOTOS - WikiGallery.org; Imagens do Google.
FUNDAMENTAÇÃO LITERÁRIA - http://www.museodelprado.es/

2011-02-08T00:00:00.002Z

OS PROFESSORES DE FRANCÊS

Hoje, durante o Conselho Pedagógico, uma colega dizia-me ter pena de que a Língua Francesa, nas escolas, fosse preterida a favor do espanhol, ou outros idiomas emergentes. - Quanto aprendíamos e que bem falavamos o francês, no nosso tempo! - lamentava.

Sendo o nosso tempo, outro tempo, em que o aprender se conceptualizava em atender, tomar notas, memorizar, interpretar, compor e falar, já o caminho do saber se estruturava de outra forma. Depois o francês compreendia um currículo obrigatório de 5 anos, com 3 ou 4 horas semanais. Em casa, todos os dias se trabalhavam textos, em que a gramática, o sentido literário e o conhecimento da cultura francesa integravam os inúmeros exercícios académicos.

O ipod da época, a telefonia, emitia os hits do momento, liderados muitas das vezes por cantores franceses.

Os grandes professores de francês, sem desmerecer o subido empenho do decano oficial, foram: Edith Piaf, Charles Aznavour, Gilbert Bécaud, Jacques Brel e, mais tarde, Françoise Hardy, Sylvie Vartin, George Moustaki, Serge Gainsbourg e o ultra romântico de voz delicodoce Adamo.

À falta de computadores e internet, a malta, ouvia os 45 rotações de vinil, tantas vezes quantas ditavam o encantamento e a necessidade de tirar a letra. Havia o hábito de criar livros manuscritos das letras para depois cantá-las comme il faut nas tertúlias, pic nics, serenatas e até no chuveiro.

Na nossa casa o Livro de Canções foi sendo elaborado, ao longo dos anos 60 e 70, pela minha irmã Manuela. Não só era exímia na escuta dos trechos mais difíceis, como na correcção da escrita. Acompanhavam cada canção uma pequena biografia do cantor e uma foto, recortada da Plateia ou da Flama. O livro rodou tantas mãos de amigos que um dia não voltou. Dele registamos a falta sempre que, em família, se desdobra o passado.

Para além das revistas e jornais portugueses, compravam-se revistas francesas e o Le Monde Diplomatique informava sobre aquilo que a nossa imprensa censurada não relatava. Os quiosques de rua ou de café vendiam, tantas vezes por encomenda, essas preciosidades suculentas.

VÍDEOS - You Tube

FOTOS - Blog 'Dias que Voam'

2011-02-02T17:58:00.000Z

HOJE A BIA FAZ ANOS PORQUE DEUS ASSIM QUIZ

A Beatriz , pela ternura Bia, foi sempre o sal e a pimenta das conversas femininas e, quase sempre, o fermento dos elos que, entre colegas de livros e aventuras, se firmaram. Pequena, só de tamanho (como o Bocage) e elegantemente roliça. Pela sua picardia, se não fosse de cabelo russo e encaracolado, ninguém a distinguiria da assertiva MAFALDA, criada pelo sábio humorista QUINO.

Nunca estudou demais, só o suficiente... Perita nas mais ousadas técnicas do copianço, sendo nesta matéria uma percursora da teoria do aprender por modelagem. Amiga que NUNCA pôs em causa o carácter do amigo, (Vendo-lhe os erros era paciente e edificante, para as virtudes encontradas era hiperbólica), cativou e deixou-se cativar, assumindo, sem restrições, essa responsabilidade.

Sei que não és uma TECH, menina, e desconfias das relações à distância, quando estas decorrem virtualmente, mas, QUERIDA, temos tanto chão e tanta narrativa construída que, bem podemos, como um balão que se solta na atmosfera, oferecer essa pura experiência ao mundo!!!

PARABÉNS DOCE!

2011-02-02T17:07:00.003Z

FROM GIGI TO SISSI WITH LOVE

THE MIDNIGHT COWBOY THEME

A Sissinha e o seu entusiasmo revivalista atribui, ao filme Midnight Cowboy (Perdidos na Noite), 1969, e à sua banda sonora, concebida pelo mestre John Barry, *****!!!

Existe uma simbiose profunda e dramática entre o ambiente do filme e a sua roupagem musical. A partitura suporta e pontua, poeticamente, a estrutura narrativa, em aguarela pulcra e triste.

O tema musical da película descreve, pela gaita de Toots Thielemans, uma visão negra e desbragada do submundo Nova Iorquino, embatendo e desconstruindo, sem desculpas, uma imagem mítica do ‘American way of Life’.

Não é um filme fácil, para quem se atordoa com o moderno cinema americano, de ritmo vibrante e apelo na cor. A sempre exigente direcção do inglês John Schlesinger faz-se propositadamente lenta, com um retrato crítico e desencantado da cidade mítica, em narrativa simples e directa, sem explicações securizantes, sustentando a sua verdade na formidável construção dos dois personagens de foco: Joe Buck, o cowboy ingénuo, fake fã de John Wayne, e Ratso Rizzo, um miserável e repelente marginal, sem abrigo. (John Voight e Dustin Hoffman).

É um filme que exige quase tudo de quem o vê: Maturidade, sabedoria, informação actualizada e válida, reflexividade sustentada. É, para os que não se apoucam, uma obra-prima intemporal!

RECONHECIMENTO:

1970 / EUA - Óscar de melhor filme, melhor director e melhor adaptação do roteiro.

1970 / EUA – Nomeação para o Óscar de melhor actor dramático: Dustin Hoffman, John Voight e melhor actriz coadjuvante Sylvia Miles.

1970 / EUA – Globo de Ouro de revelação de melhor actor dramático para John Voight.

1970 / EUA – Indicação para Globo de Ouro para melhor filme, melhor director e melhor adaptação de roteiro e melhor actor dramático Dustin Hoffman e Brenda Vaccaro.

1969 / GER – Prémio OCIC no Festival de Berlim e Indicação para o Urso de Ouro.

1970 / UK – Prémio BAFTA nas categorias de melhor actor, Dustin Hoffman, melhor director, John Schlesinger, melhor actor revelação, John Voight e melhor roteiro.

1969 / DMK – Prémio BODIL na categoria de melhor filme não europeu.

1970 / IT – Prémio David di Donatello nas categorias de melhor director estrangeiro e melhor actor estrangeiro, Dustin Hoffman.

1969 / EUA – Prémio do NYFCC (New York Film Critics Circle Awards) na categoria de melhor actor, Jonh Voight.

1969 / EUA – Prémio NARAS na categoria de melhor performance do vocalista Harry Nilsson cantando Everybody’s Talkin.

TRECHOS MUSICAIS de JONH BARRY que ilustram o filme:

Joe Buck Rides Again

Midnight Cowboy

Fun City

Florida Fantasy

Science Fiction

VÍDEO - You Tube
FOTOS - Imagens do Google
PESQUISA - Wikipédia; Recanto das Letras

2011-02-01T12:45:00.002Z

JOHN BARRY

A BELA ARTE DE COMPOR

Faleceu no Domingo passado, com 77 anos, John Barry, um dos maiores compositores da nossa época. O cinema deve-lhe uma soberana homenagem já que, cada trabalho seu, sublinhava o melhor da arte fílmica ou, quando a película não se elevava da mediania, vestia-a de música, essa sim, exemplar.

As composições de Barry serviam-se do mais nobre instrumental das grandes orquestras, cordas, sopros, percussão, no entanto, um dos seus segredos foi o de utilizar todas as possibilidades, permitidas pela modernidade aportada pelo século XX, recorrendo à polissemia dos sintetizadores e, com esta diversidade e ousadia, induzir a luxúria dos seus temas.

Com formação em órgão, piano e trompete cedo começou a escrever canções realizando os seus temas através de uma banda de jazz e de seguida produzindo alguns trabalhos para a BBC. Foi a EMI que primeiro aproveitou o talento jovem e prometedor, para fazer os arranjos orquestrais das canções dos seus artistas.

Nascido numa família ligada ao cinema é ao cinema que vai ligar os seus maiores êxitos. Deixa, desta forma, o mais belo da sua alma, em composições sublimes, prenhes de mensagens e de histórias, que percorrem toda a escala emotiva do sentir. Foi reconhecido o seu mérito com cinco Óscares e quatro Grammy e esse reconhecimento humano perdurará sempre que as suas melodias incomparáveis impregnarem o ar que respiramos.

OBRIGADA JOHN BARRY!!!

Cinco Óscares

1967 Melhor canção original Born Free no filme Born Free

1967 Melhor tema musical para o filme Born Free

1969 Melhor tema musical para o filme The Lion in Winter

1986 Melhor tema musical para o filme Out of Africa

1991 Melhor tema musical para o filme Dances witn Wolves

Nomeações para o Óscar

1972 Melhor tema dramático para o filme Mary, Queen of Scots

1993 Melhor tema musical para o filme Chaplin

De entre mais de uma centena de obras constam inúmeras e emblemáticas composições. Os temas de filmes The Midnight Cowboy, Alice's adventures in Wonderland, The Dove, King Kong, Robin and Marion, The Cotton Club, Masquerade, Rubi Cairo, The Indecent Proposal, The Specialist, The Scarlet Letter, Passion Flower Hotel, Lolita my Love.

Para os Filmes de James Bond 007, compôs: Dr. No, From Russia with Love, Goldfinger, Thunderball, You Only Live Twice, On her Magesty's Secret Service, Diamonds are Forever, The Man with Golden Gun, Moonraker, Octupussy, A View to a Kill, The Living Daylights.

FOTO - Imagem do Google

VÍDEOS- You Tube

PESQUISA - Wikipédia

2011-02-01T00:51:00.003Z

O ESPELHO DE MAYANA MOURA

Rio de Janeiro é a cidade natal de Mayana Moura. Hoje, modelo fotográfico e de passerelle, vocalista de banda punk-rock e actriz, iniciou-se aos 17 anos ao ser convidada pelo fotógrafo Mario Testino para uma reportagem de praia para a revista 'V'. Como modelo viveu em New York e desfilou em Londres, Paris e outras capitais da moda. O seu espelho é inteligente pois tem devolvido uma imagem fashion, com um registo tímbrico entre o clássico Channel e o provocador rebelde. Mayana decidiu ser actriz pela influência da estética fotográfica e fílmica do cineasta alemão Wim Wenders.

Com um cuidadoso trabalho de imagem pública para a qual contribuiu a pesquisadora e consultora de moda Renata Abranchs, encontrou na novela para televisão, um palco invejável que, diariamente, lhe aprecia e cobiça o guardaroupa, adereços e composição, da já famosa personagem MELINA.

MELINA é na ficção uma jovem estilista chegada de Paris, com muito ímpeto e pouca moral, mas um poderosíssimo bom gosto, cosmopolita e atrevidamente arquitectónico. Para estabelecer este padrão Mayana trabalhou com Gloria Coelho, exigente estilista brasileira, responsável por parte significativa do guarda-roupa da actriz.

O valor icónico da sua interpretação sustenta-se em marcas pessoais bem definidas ora pela caracterização da maquilhagem, ora pelos adereços de griffe.

↘CABELO - Chanel curto com franja , inspirado na diva americana Louise Brooks (1906-1985). O corte dos anos 20, a la garçonette, é seco com escova e a franja esticada com prancha.

↘PELE - Evita toda a exposição solar para manter o tom branquíssimo. Nada de praia!

↘UNHAS - Dos anos 20 a 40, as unhas 'meia-lua' ou 'Francesinha invertida'. Esmalte em vermelho laca escuro.

↘OLHOS - Eye-liner, Lápis preto e pestanas postiças

↘BOCA - Vermelho vibrante. Batom Mac - vermelho Russian Red; tonalidade boca Kinda Sexy; rosa Please Me.

↘BRINCO - Brinco Asa-de-Anjo, da Designer Pat Falcão.

↘Calçado - Botas pesadas e sapatos anos 20 ou sabrinas

Mayana ou Melina o espelho revela um look estruturado, de um moderno romantismo, vibrante, cuidado, conceptualmente belo!!!

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PESQUISA - Ego-notícias; Audiência da TV mix; Mieasy Wordpress.

2011-01-23T01:43:00.002Z

CONCERTO INTERNACIONAL DE ÓRGÃO DE TUBOS DO PORTO

Cheguei há momentos, vinda do concerto que encerrou o festival internacional de órgão de tubos do Porto. Os vários concertos tiveram lugar em diversas igrejas do Distrito e, hoje, na Igreja da Lapa, fechou-se o nobre ciclo. Ouvimos Scarlatti, Vivaldi e Johann Sebastian Bach. Oito órgãos colocados em vários pontos da Igreja e o magestoso órgão da Lapa, assim como, uma orquestra de percussão, encerraram o evento com a composição de Jean Guillou 'La Révolte des Orgues'.

Uma noite magnífica, um local grandioso e uma assistência compacta que encheu totalmente a Igreja.

Servindo a abertura do concerto as sábias palavras do cónego Ferreira dos Santos. Como encerramento, para além de uma longa ovação, uma chuva de milhares de pétalas de rosas, multicores e perfumadas, que brotaram pelos oito orifícios da abóbada verde água.

Escrevo com algumas destas pétalas sobre o computador...

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2011-01-22T20:12:00.003Z

THE WAY WE WERE - MY FAVOURITE STUFF

Katie Morosky (Barbra Streisand), activista, cujo ideal político comunista se inscreve numa vida de exigência pessoal, dedicação cívica e pouca flexibilidade moral para aceitar modelos de vida fúteis, ou simplesmente alienados. Hubbell Gardiner (Robert Redford), jovem, belo, rico e com um talento fácil para a escrita.

Um encontro em que a diferença dita o apelo e, o apelo é tão intenso, que incendeia uma paixão desassossegada, em que se procura moldar o outro à imagem que dele se faz.

Um filme lindíssimo de Sidney Pollack, 1973, em formato de drama romântico, onde a voz de Barbra Streisand e o seu enorme talento de actriz explodem para lá da tela e penetram, consumindo os nossos sentidos, até aos nossos dias.

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2011-01-18T21:04:00.003Z

OPINIÕES MOLES VS DIGNIDADE DE OPINIÃO

Não resisti a blogar excertos da entrevista, à Pública, de João Pereira Coutinho, jornalista e comentador político português, portuense de 34 anos. No seu estilo directo e mordaz trata, segundo diz, as pessoas como adultas, sem eufemismos ou discurso redondo.

Interessou-me particularmente:

«Nada do que eu escrevo me parece particularmente duro ou violento. Mas admito que possa soar duro ou violento na nossa cultura política ou jornalística, que ainda vive na ressaca da ditadura. Como sabe, um dos prodígios do Dr. Salazar foi ter removido a política das ruas, dos jornais, dos cafés, até para evitar a loucura revolucionária e confrontacional que dominou a Primeira República. Só que o resultado desse apagamento do político, que é sempre um apaziguamento do confronto e do pluralismo, produziu estas opiniões moles que hoje são medradas por aí. Opiniões em cima do muro, onde ninguém quer incomodar ninguém e todos querem ser amigos de toda a gente. Se fujo um pouco ao tom melífluo da imprensa portuguesa, acredite, não é virtude minha.

Foi sorte. Tive a sorte de crescer com o jornalismo brasileiro, que soube importar o melhor do jornalismo anglo-saxónico. Não apenas a prosa enxuta, sem aqueles ridículos "tenho para mim que" ou "na minha óptica", mas um certo gosto pela liberdade e pela dignidade de opinião.

Quando uma vez contei, ao meu editor em S. Paulo, que o colunismo português era maioritariamente exercido por membros dos partidos políticos, ele nem queria acreditar. Achava que eu estava a falar, sei lá, do Zimbabwe.»

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EXCERTO de JPG - Revista Pública de 16.01.11, pág. 43

2011-01-18T20:20:00.003Z

ESTAMOS PERDIDOS

Ao reler Eça reencontrei o anarquista que vestiu papéis de romancista, periodista, cronista e diplomata. Interpelava a pátria portuguesa da forma mais crua, irreverente e crítica. De 1871 a 1888 delineou o seu Inquérito Queirosiano que tinha como intenção, segundo afirmava, despertar o 'porco adormecido' - a Pátria. O seu contacto com outros países, nomeadamente Inglaterra, levou-o a olhar a realidade portuguesa com ironia e cepticismo. No entanto, procurava espicaçar as mentes e intervir no debate político e social.

É de 1871 o seguinte excerto:

«Estamos perdidos há muito tempo...
O país perdeu a inteligência e a consciência moral.
Os costumes estão dissolvidos, as consciências em debandada.
Os caracteres corrompidos.
A prática da vida tem por única direcção a conveniência.
Não há princípio que não seja desmentido.
Não há instituição que não seja escarnecida.
Ninguém se respeita.
Não há nenhuma solidariedade entre os cidadãos.
Ninguém crê na honestidade dos homens públicos.
Alguns agiotas felizes exploram.
A classe média abate-se progressivamente na imbecilidade e na inércia.
O povo está na miséria.
Os serviços públicos são abandonados a uma rotina dormente.
O Estado é considerado na sua acção fiscal como um ladrão e tratado como um inimigo.
A certeza deste rebaixamento invadiu todas as consciências.
Diz-se por toda a parte: “o país está perdido!”
Algum opositor do actual governo?... Não!»

2010-11-30T21:25:00.001Z

75 ANOS EM VIAGEM vs EXERCÍCIO DA IMORTALIDADE

Hoje, terça-feira, cumprem-se 75 anos sobre a morte do poeta Fernando Pessoa (1935). O escritor foi correspondente comercial, crítico literário e jornalista, publicitário, activista político, tradutor e amante da astrologia. Mente crítica, prolixa e actualizada, em pouco tempo de vida, (faleceu com 47 anos), serviu brilhantemente a língua portuguesa, sendo a sua obra conhecida, respeitada e estudada em várias partes do mundo. Parte do seu trabalho é escrito em inglês, segunda língua, adquirida entre os sete e os dezassete anos em Durban, na África do Sul, onde viveu.

A maior parte dos estudos da sua vida e obra, debruçam-se sobre a escrita poética, que emerge de uma multiplicidade perceptiva e emotiva, de um olhar agudo e único sobre o mundo, produto de uma personalidade heteronímica.

O próprio Pessoa se considerou um "drama em gente".O aniversário do Poeta será assinalado com a exibição do “Filme do Desassossego”, de João Botelho, no Teatro Nacional São Carlos, em Lisboa.

QUADRO - 'Homenagem a Fernando Pessoa' óleo sobre tela de Luís Badosa

2010-11-22T20:58:00.000Z

WE'LL KEEP ON TRYIN' - TILL THE END OF TIME

INNUENDO

While the sun hangs in the sky and the desert has sand

While the waves crash in the sea and meet the land

While there's a wind and the stars and the rainbow

Till the mountains crumble into the plain

Oh yes we'll keep on tryin'

Oh tread that fine line

Oh we'll keep on tryin' yeah

Just passing our time

While we live according to race, colour or creed

While we rule by blind madness and pure greed

Our lives dictated by tradition, superstition, false religion

Through the eons, and on and on

Oh yes we'll keep on tryin'

Oh we'll tread that fine line

Oh oh we'll keep on tryin'

Till the end of time

Through the sorrow all through our splendour

Don't take offence at my innuendo

You can be anything you want to be

Just turn yourself into anything you think that you could ever be

Be free with your tempo, be free be free

Surrender your ego - be free, be free to yourself

Oooh, oooh -

If there's a God or any kind of justice under the sky

If there's a point, if there's a reason to live or die

If there's an answer to the questions we feel bound to ask

Show yourself - destroy our fears - release your mask

Oh yes we'll keep on trying

Hey tread that fine line

Yeah we'll keep on smiling yeah

And whatever will be - will be

We'll just keep on trying

Till the end of time Till the end of time

Till the end of time

2010-11-13T13:08:00.030Z

PORTO SENTIDO - SENTIDO PELO RUI VELOSO E POR QUEM LÁ NASCE

O Porto é a minha cidade de eleição! Sempre apreciei a contenção fria do ferro forjado e da dura face do granito. O espelho de água encendiado pelas estrelas douradas da iluminação do cais e o casario ocre ou bordado de azulejo que, empoleirado na colina, desfralda estendais multicores, em desafio ao olhar polido do burguês. A Sé, magnífica e austera, cresce sobre a cascata antiga e alegra-se com as novas intervenções urbanísticas, que respeitaram a traça e a raça, e, embora minimalistas no esboço, se integram no volume, na matéria e na cor.

Na idade em que escrevia poemas e adoecia de amor mal resolvido, na travessia diária do rio pela ponte D. Luís, nesses 15 ou 16 anos em que a emoção rebenta pela pele, esta viagem sobre o rio servia o desenvolvimento e construção poética de uma identidade, simbiótica, entre duas personalidades, a minha e a da cidade.

Conheci o Porto da vida estudantil dos anos 60, 70 e 80 que esventrei, em companhia da Máris, da Lucy e mais tarde do Né (agora Barroso), descobrindo todos os segredos das ruelas e avenidas entre as três pontes D. Maria, D. Luiz e Arrábida. Qual era o apelo? Aquela cidade antiga tinha para nós recantos, segredos, gritos e falares que deslumbravam a curiosidade acesa.

Eu e a Máris desenhamos um plano para mapear e desvendar o sítio e o miolo de todos os cafés do Porto. Assim, saindo do Esperança, tomavamos o simbalino no Lua Nova e, emblematicamente vestidas de preto, comme il faut, iniciávamos o périplo. O café, nesse tempo, era o centro do mundo e tinha um público próprio, singular, que nunca atraiçoava os hábitos da tertúlia, enquistada nesse espaço que era seu. Os donos do estabelecimento conheciam os seus fregueses e participavam amenamente das conversas, fazendo deles a vida diversa que assim lhes era trazida.

Ninguém estudava em casa porque as escolas eram todas no Porto e, quando se regressava a Gaia, Espinho, ou outros destinos periféricos, já Ártemis espelhava a luz lunar e o esplendor da noite pelo fluido tapete do rio.

CAFÉ MAGESTIC - Fachada, na noite de Sta Catarina

CAFÉ MAGESTIC - Interior estilo Arte Nova

Francesinha do Magestic

CAFÉ A BRASILEIRA em Sá da Bandeira

A BRASILEIRA - Café e Salão de Chá

Entrada principal do CAFÉ CEUTA

CAFÉ CEUTA - Rua de Ceuta

CAFÉ AVIZ - Entre a Rua de Ceuta e a Rua da Fábrica (Jogavamos snooker no andar de baixo)

Lustres do CAFÉ IMPERIAL na Praça da Liberdade (agora Mac Donald's)

CAFÉ GUARANY - Esquina da Avenida dos Aliados com Rua de Ceuta

Interior do CAFÉ GUARANY

Chocolate no GUARANY

O PIOLHO - CAFÉ ÂNCORA D'OURO nos Leões

A BATALHA - vista da escadaria da Igreja de Sto Ildefonso (Vários cafés ao longo das fachadas desta Praça)

Fachada do edifício ÁGUIA D'OURO - aqui funcionaram o cinema e também o CAFÉ com o mesmo nome

CAFÉ EMBAIXADOR - em Sampaio Bruno

LEITARIA DA QUINTA DO PAÇO na Praça Guilherme Fernandes, perto dos Leões

Famosos éclairs da LEITARIA DA QUINTA DO PAÇO

CAFÉ ESTRELA D'OURO na rua da Fábrica (Aqui se comia o bife à café Estrela - uma delícia!)

Edifício Palladium onde funcionou o CAFÉ PALLADIUM

RELÓGIO DO EDIFÍCIO PALLADIUM

Sobre os cafés do Porto, a sua identidade pública e características, existe extensa literatura, imagem e fotografia, cuja consulta se transmuta em prazer imenso, no reconhecimento que a memória traz.

É, porém, um estudo-viagem tão fascinante que, num qualquer destes dias, apetece empreender. Agora, não só pela aventura romântica do fruir e conhecer, como pela missão do contar... Talvez, em equipa amiga, como no passado!

IMAGENS - Fotos do Google; Blog Cafés do Porto de Catarina Correia; Blog florbytesemmemoria; Blog Andaduras;
Estudo - Cafés do Porto de Maria Teresa Castro Costa.

VÍDEO - You Tube

2010-11-12T20:55:00.001Z

ZIZI POSSI E CHICO BUARQUE - PEDAÇO DE MIM

Poema magnífico do Chico, que por si arranca pedaços da alma e se torna transcendente pela dolente toada do choro melódico, dedilhado em soluços de bela harmonia.

A voz pura e quase inocente de Zizi em contraponto com a rouquidão quente e triste da voz do Chico faz doer. Ouve-se e os sentidos arrepiam-se com a emoção descrita e o estímulo dessa melodia sofrida, perturbadora: 'A saudade dói como um barco que aos poucos descreve um arco e evita atracar no cais'!

Como te amo Chico Buarque, a ti e essa legião de grandes músicos e intérpretes brasileiros que acompanharam e instruiram o meu gosto e apuro musical.

Oh, pedaço de mim

Oh, metade afastada de mim

Leva o teu olhar

Que a saudade é o pior tormento

É pior do que o esquecimento

É pior do que se entrevar

Oh, pedaço de mim

Oh, metade exilada de mim

Leva os teus sinais

Que a saudade dói como um barco

Que aos poucos descreve um arco

E evita atracar no cais

Oh, pedaço de mim

Oh, metade arrancada de mim

Leva o vulto teu

Que a saudade é o revés de um parto

A saudade é arrumar o quarto

Do filho que já morreu

Oh, pedaço de mim

Oh, metade amputada de mim

Leva o que há de ti

Que a saudade dói latejada

É assim como uma fisgada

No membro que já perdi

Oh, pedaço de mim

Oh, metade adorada de mim

Lava os olhos meus

Que a saudade é o pior castigo

E eu não quero levar comigo

A mortalha do amor

Adeus

VÍDEO - You Tube

2010-10-05T06:54:00.001+01:00

RAIVA DA ESCRITA 1 - Valadares, Out.10, 05.00 a.m.

O Fluxo das Palavras é tão pujante e caudaloso, tão diversos os cursos desta água, que nada os detém. Não há diques mentais, estribos ou barreiras que contenham os múltiplos conceitos, a enxurrada de ideias, o paroxismo de uma escrita que se faz dantesca, visceral, frenética, intempestiva, num desgaste do corpo, da matéria pela qual se define.

A escrita é erótica, pela dor prazeirosa e intensa, para além da vontade, animal, sem peias. A escrita é orgásmica, pela rebentação estrelada, constelação de imagens, de feixes de luz em formato Word. A escrita jorra do corpo e corrói-o brutalmente, em gastrite aguda, no esticar da tensão, no esbugalhar dos olhos despertos das três horas da manhã, no sofrimento de parto que não dói, no vómito visceral, na explosão dos sentidos.

A escrita é! Faz-se sem lápis, sem riscos ou teclas de computador. Faz-se por dentro, em maratona, desorganizada mas certeira, em resmas de informações, imagens, sentimentos. Tem muitas formas que eclodem abruptamente daquele lugar, no sótão da consciência, vertiginosas, subreptícias, prementes. Nada as detém, nem a racionalidade do que deve ser, nem a debilidade de um corpo sofrido, gasto pelas rotinas do trabalho diário. A escrita é amiga da noite, porque aí tem um lugar só dela, num devir grandioso, exemplar, na permissão total de um tempo e matéria que lhe pertencem, nesse lazer sem descanso, feito palco de energia.

A escrita ao consubstanciar-se, endémicamente, absorve o próprio autor. A ecrita mata!

FOTO - Gabinete de trabalho de VCB

2010-09-24T11:52:00.001+01:00

QUARTO CRESCENTE - ESPIRAL POÉTICA

De novo o João Negreiros naturalmente poeta e performer, rasgando, transfigurando e abrindo conceitos, como o sonho de uma criança feita jovem, no atrevimento belo e inocente de quem ousa.

“quarto crescente” – poema do livro “luto lento” premiado e publicado no Cancioneiro “Amo de Ti” - mais um dos belíssimos jogos poéticos do João, que se oferece ao público pelos seus livros mas, também, de uma forma graciosa e disseminadora, no You Tube.

quarto crescente

vou pintar uma parede de cada cor e encostar-me a cada uma para que cada uma seja o que eu quero construir

mas como só tenho quatro quatro não chega por isso vou lá para fora imaginar paredes para que se façam muros que eu quero cair uns altos e até ao tecto que está a fazer de céu

eu quero pintar o ar como quem pinta paredes para sentir os desafios como um ar que se lhe deu

e vou respirar distâncias para as cheirar mais perto

e vou escalar o areado como quem rasga os dedos e ainda assim sorri porque sobe como quem morre

vou pintar o mundo de uma cor única que são todas

e matizar as pessoas com nuances subtis para que sejam coerentes

mas eu vou ficar transparente para que vejam por mim o que eu não quero que dói muito

só que o ar anda racionado e o homem racionalizado

e dizem-me que o não faça que fique quedo como quem respira só para fazer circular o ar como o polícia que diz do acidente que aqui não há nada para ver

e fecharam-me à chave

e fecharam-me a chave dentro duma gaveta que está lá fora e lá longe

e estou a fazer pequeníssimos quadrados nas paredes do meu quarto para simular a imensidão do mundo

mas não me chega falta-me gente e até pus um anúncio no jornal a pedir gente pequenina em part-time para me inundar as paredes vestidas de quadrados que fazem de muros das casas das pessoas lá fora

e dentro do meu quarto corre bem corre muito bem porque as cores começaram a intrometer-se nas almas umas das outras

e agora nem são quadrados

são manchas que eu nem distingo que eu nem percebo que eu nem sei ao certo

manchas que se misturam como quem nada que viajam como quem corre

como quem escorre do tecto

como quem escorre do chão ao tecto

como quem escorre de fora para dentro

como quem se entranha

como quem se une

como quem se mune de aventuras e segredos que quiseram ser contados para deixarem de existir

e a perfeição do mundo interior é ter as barreiras simples feitas para cair

e a sua única tristeza são as arestas que choram no canto porque separam a mãe do filho e a solidão da aventura

e ao meu quarto só lhe falta ser circular para ser o mundo mas lá fora circula

e um dia hei-de sair para dizer a todos que se espalhem ao comprido e debaixo uns dos outros

como quem ama sem saber como

como quem chama sem saber quem

como quem brinca sem saber a quê

e vou-lhes ensinar a verdadeira linguagem dos afectos que é moldável palpável e daltónica

e o mundo vai ser de uma cor melhor o mundo vai ser de duas cores da minha e da tua

in luto lento, de João Negreiros

Vídeo - You TUBE

2010-08-29T19:39:00.021+01:00

A WHITER SHADE OF PALE

A Whiter Shade of Pale é a canção de début do grupo britânico Procol Harum. Em 1967 fixa-se no top inglês, sendo rapidamente difundida para toda a Europa. Com uma tonalidade perturbadora, gramaticalmente Bach style, tornou-se um clássico dos anos 70. Em 2009 é considerado um dos temas mais ouvidos em todo o mundo ocidental com um número superior a 900 versões gravadas por diversos artistas.

Ouvindo Música ao Volante, da Rádio Renascença, no arrepio deslumbrado de uns dezassete anos inquietos, sofria. Um suave prazer agoniado, injectado pela beleza extrema da voz pressecutória de Gary Brooker, em cumplicidade com o som afiado e encantatório do orgão de Matthew Fisher, A Whiter Shade of Pale excedia a expectativa do meu deslumbramento.

Uma das grandes canções de todos os tempos, ouvida até à exaustão, no aperto dos bailes de garagem ou colorindo nostalgicamente os passeios da malta. Pela sua melodia foi, a canção, muitas vezes confundida com balada de amor, já que os dotes de tradução e compreensão da letra e da realidade da vida destes grupos era deficitária e alvo de secretismo em Portugal. Apenas os jovens mais expeditos, que compravam revistas internacionais, se apercebiam de uma outra cultura juvenil, lá longe, onde se experienciavam viagens psicadélicas pintadas pelo LSD ou outras drogas comercializadas na época.
Só muito mais tarde soube que a letra desta canção descrevia uma acid trip, protagonizada pelos Procol Harum e Beatles, em festa conjunta.
Nessa altura, mais amadurecida e responsável, não fui suficientemente tolerante e não gostei!!!

A Whiter Shade of Pale

We skipped a light fandango,
Turned cartwheels 'cross the floor.
I was feeling kind of seasick,
But the crowd called out for more.

The room was humming harder,
As the ceiling flew away.
When we called out for another drink,
The waiter brought a tray.

And so it was that later,

As the miller told his tale,
That her face at first just ghostly,
Turned a whiter shade of pale.

She said there is no reason,
And the truth is plain to see
That I wandered through my playing cards,
And would not let her be
One of sixteen vestal virgins
Who were leaving for the coast.
And although my eyes were open,

They might just as well have been closed.

And so it was later,

As the miller told his tale,

That her face at first just ghostly,

Turned a

whiter shade of pale.

VÍDEO - You Tube

FOTO - Grupo Procol Harum - Beyond the Pale, Procol Harum An Eye to the Future, http://www.procolharum.com/99/p/hh_image005.jpg

CAPAS DE ALBUNS - Imagens do Google

2010-08-12T20:25:00.001+01:00

NO PRINCÍPIO ERA O SOM vs O POSSÍVEL CRIATIVO

Andante para flauta e orquestra, in C major, K. 315 (K. 285e) de MOZART

Marcel Proust afirmou na sua obra Em Busca do Tempo Perdido que a música poderia ter sido o exemplo único da comunicação das almas, não fosse a invenção de uma outra linguagem que, formada por palavras, analisa as ideias. Esta distinção / relação entre linguagem simbólica e denotativa, construiu pontes conceptuais que extravasam do símbolo aberto das representações, ora mágicas, ora inconscientes e emotivas, ora metafóricamente eivadas de sentidos, para o signo especializado, organizado e orientado.

Uma das minhas leituras de descoberta, que indicia a música como fundadora, foi a de Thais Curi Beaini, doutorada e pós-doutorada em Filosofia, pela Universidade de S. Paulo, onde exerce como docente na sua área, sustentando uma linha de pesquisa sobre Arte como fruto das concepções epocais do Ser e Enfocando Arte, Linguagem e Mito, relacionados com o Pensamento de Martin Heidegger.
Segundo Thais 'O som designa a força da espiritualidade: o cunho do imortal, no fluxo do efémero. Os entes, compostos por trevas e luminosidade, por seu próprio som des-cerram, no des-velamento, o acto inaugural - transição do invisível ao visível. O deus cantor cria os entes ao nomeá-los, chamando-os individualmente à existência. Criar significa nomear, essencializar.'

Nesta linha, reflectindo sobre a organização do Caos, em que a primeira separação se estabelece em som e luz, assere Schneider (1989) - 'Nesse mundo húmido de sons e de luz, a música é a única realidade, e só depois da aparição da matéria é que ela se transforma parcialmente em fogo, em água e noutros objectos concretos. Essa música parece compor-se ora de gritos, ora de sílabas mágicas, ora de gemidos ou ruídos inarticulados. Na linguagem simbólica, o carácter hermafrodita dessa música exprime-se claramente pela sua identificação com a aurora, pois a fusão da noite e do dia, das águas e dos fogos ou da chuva e dos raios de sol no ruído das brilhantes bodas da aurora (Rigveda) é uma metáfora do casamento, isto é, de um ritmo produzido pela união do som e do metro. A música é o protótipo do princípio concertante das forças da natureza.'

As primeiras percepções externas do embrião humano são de ordem acústica o que, metaforicamente, é um indicador que desvenda o processo de gênese. A música é natural ao homem que herda as pulsações primordiais, harmónicas e securizantes. Desde os tempos primitivos até à contemporaneidade, o ser humano domesticou o som que produz, esculpindo-o à medida das suas emoções, sentimentos e performance sócio-cultural.

O sábio grego Pitágoras (séc. VI a.c.) relaciona as vibrações sonoras com a Matemática, estudando cadências e ritmos naturais, verificando os seus padrões e estabelecendo uma primeira escala de sons adequados ao uso musical.

Espinosa (1632-1677) inscreve a força criadora humana no interior do universo. O sopro divino que, numa espiral criativa, holisticamente revela a nascente e o cantar da água que dela brota.

O fogo sagrado roubado a Zeus por Prometeu não parece ter, no entanto, insuflado de igual forma todos os homens. Mozart é uma evidência consensual de irrupção criativa da mais alta qualidade mas, grande parte da humanidade, não atinge essa sublimação artística. Como diria Ortega y Gasset, é o homem e a sua circunstância! Será de crer que a especialização criadora requeira uma especialização genético-cultural que predispõe o artista para uma enorme abertura e plasticidade na esfera do seu possível.

Ouçamos Mozart e mergulhemos na harmonia do Deus Primordial!

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IMAGEM DO GOOGLE- Prometeu entrega o Fogo Sagrado à Humanidade - Heinrich Fueger, 1817
REVISÃO LITERÁRIA:
Proust, Marcel (s/d). Em Busca do Tempo Perdido. O Tempo Redescoberto. Vol. VII. Lisboa: Edições Livros do Brasil.
Beaini, Thais Curi (1994). Máscaras do Tempo. Petrópolis: R.J. Vozes.
Schneider, Marius e Lauer, Hans (1989). Cosmic Music. Musical Keys to the interpretation of Reality. Vermont: Inner Traditions.
Morin, Edgar e Cassé, Michel (2003). Filhos do Céu. Entre Vazio, Luz e Matéria. Lisboa: Instituto Piaget.

2010-08-10T20:46:00.000+01:00

APRENDER EM PARCERIA / CRIAÇÃO POR DENTRO

Já falei aqui desse património histórico e cultural que se corporiza no Chico Buarque de Holanda, emergindo da sua criatividade prolixa e de uma agência tão sabedora como diversificada. Transgressor, porque inovador e interventivo, o Chico é cívico, é poeta, é músico, é filósofo, Ele É!
No vídeo Meu Caro Amigo Buarque revela que a sua aprendizagem como letrista se foi fazendo em parceria com Francis Hime, na criação de vinte novas canções, a partir da década de 70.

Parceria é uma palavra feliz porque conceptualiza uma ligação que não diz só respeito ao objecto que se pretende criar ou construir mas, sobretudo, à intimidade dos pares que empreendem a viagem para o sonho. Este entendimento por dentro, sustentado em generosidade, humildade e comunhão, é o sopro divino que determina a transcendência da obra.

Sou fã do Chico, a 100%. Nele vou buscar valores que gritam a grandeza do Viver, a alegria que permite a placidez e o instinto guerreiro que me torna jovem na vontade continuada de melhorar e aprender.

Aqui fica um Disco-Carta cuja narrativa é um retrato que não desactualiza.

2010-08-08T23:34:00.014+01:00

JOHN WILLIAMS - BECOMING A GEISHA - ESCOLHAS SUBLIMES

John Williams é um dos poucos compositores cujas peças musicais ilustraram uma filmografia sublime. Imortal na sua beleza, a música de J. Williams, obriga-nos a uma transcendência de sentidos e emoções, a um voo mais amplo do desejo.

Becoming a Geisha foi o tema escrito para o filme Memoirs of a Geisha que, em 2005, faz a adaptação da novela do mesmo nome. O filme teve como produtores Steven Spielberg's Amblin Entertainment, Spyglass Entertainment e Douglas Wick's Red Wagon Productions. A direcção artística ficou a cargo de Rob Marshall merecendo as melhores críticas, o reconhecimento público e o apreço dos seus pares. Rodado a Norte e a Sul da California, assim como em várias localidades de Kyoto, o filme, conta a história de uma adolescente que, vendida pela família, imersa numa narrativa circunstancial sem escolha, aprende o ofício de geisha. A luta pelo direito ao amor, e a uma determinação da vontade, traz-lhe inimizades poderosas.

Com múltiplas nomeações, esta profunda e bela obra cinematográfica, recebeu três prémios da Academia: Melhor filme, Melhor Direcção Artística e Melhor Design de adereços e guarda roupa. A fotografia exemplar é inspiradora e o tempo narrativo condiciona uma adesão reflexiva e intimista do espectador.

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CARTAZ DO FILME - Imagens do Google

2010-07-13T23:55:00.003+01:00

MEGA - AGRUPAMENTOS

VÍDEO

Ter DIREITO a uma qualquer EDUCAÇÃO não colhe, o que importa é o DIREITO a uma EDUCAÇÃO de qualidade.

A qualidade da educação não se mede, apenas, pelos recursos materiais que, não subestimando a sua importância, só se tornam relevantes se for respeitado o Espaço / Tempo do desenvolvimento das capacidades de descoberta e aprendizagem do indivíduo, da equipa educativa e da organização escolar.

Não basta juntar os alunos dos 5 aos 18 anos, mais os professores e os poucos auxiliares de uma escola, para termos, por obra e graça de um saber espontâneo e imediatista, um currículo transversal, articulado e premiado de sucesso.

As sociedades mais reflexivas procuram voltar às escolas pequenas onde o conhecer todos se encontra em relação directa com o grau de responsabilidade em aprender, ensinar e responder cívicamente perante deveres e direitos.
Responder, consequentemente, com o balizamento de regras comunitárias, co-construídas, compreendidas e aceites, porque geradas no seio de uma organização humanizada.

O envolvimento das famílias na escola dos filhos é meritório, pelo que aporta da cultura e saberes locais para o ambiente institucional e pela poderosa influência dos saberes disciplinares e éticos que penetram o núcleo familiar. A força exponencial desta sinergia é tanto maior quanto menor for a comunidade educativa.

De uma forma imediata poderá pensar-se que diminuir os recursos humanos de uma organização rentabilizará a capacidade produtiva dos efectivos no terreno, eliminará o desperdício e terá um efeito de poupança pecuniária. O lamentável desta equação reside no formato redondo de um discurso sem perspectiva processual de desenvolvimento.

Deixemo-nos de punhos de renda: As escolas necessitam de um governo/direcção que conheça as bases, que as dinamize e trabalhe perto e junto com elas. As escolas necessitam de pessoas felizes, dispostas à generosidade e à abertura que sustentam o aprender e ensinar.

Os docentes desempenham hoje papéis diversos. Os seus horários de trabalho estendem-se em tarefas múltiplas e essas tarefas acompanham-nos até casa e invadem-lhes o fim de semana. Os auxiliares de educação, ditos assistentes operacionais, são cada vez menos, impreparados e, devido à rotação dos contratos, com pouco tempo para desenvolver as competências adequadas e a responsabilização de pertencimento. Por sua vez, a poupança pecuniária circunscreve-se ao agora. O discurso desenvolvimentista é traído pela prática castradora.

PERTENCER ou SOBREVIVER?

VÍDEO - tvi24
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2010-07-12T23:23:00.000+01:00

RÓMULO DE CARVALHO cantado por MANUEL FREIRE

Rómulo Vasco da Gama de Carvalho, nascido em Lisboa em Novembro de 1906, foi professor de Físico-Química do ensino secundário, pedagogo, investigador de História da Ciência em Portugal, divulgador dessa mesma ciência e poeta. Foi um académico efectivo da Academia das Ciências de Lisboa e, a partir do ano de 1997, a data do seu nascimento, 24 de Novembro, foi adoptada em Portugal como Dia Nacional da Cultura Científica. É sob o pseudónimo de António Gedeão que escreve belíssimas obras poéticas como a Pedra Filosofal e Lágrima de Preta, entre outras.

Manuel Freire iniciou a sua carreira no teatro mas, em 1969, aparece na televisão para interpretar, à viola, o poema de Gedeão, Pedra Filosofal. O programa é Zip-Zip, extremamente popular e a sua prestação contida, clara e profunda permite-lhe receber o Prémio da Imprensa desse ano. Manuel Freire musicou poemas de António Gedeão, José Gomes Ferreira, Fernando Assis Pacheco, Eduardo Olímpio, Sidónio Muralha e José Saramago. Foi, ainda, distinguido com o Prémio Pozal Domingues.

Segundo a Wikipédia a Pedra Filosofal (Lapis Philosophorum) era o principal objectivo dos alquimistas. Segundo a lenda, era um objeto que poderia aproximar o homem de Deus.

PEDRA FILOSOFAL

Eles não sabem que o sonho

é uma constante da vida

tão concreta e definida

como outra coisa qualquer,

como esta pedra cinzenta

em que me sento e descanso,

como este ribeiro manso

em serenos sobressaltos,

como estes pinheiros altos

que em verde e oiro se agitam,

como estas aves que gritam

em bebedeiras de azul.

Eles não sabem que o sonho

é vinho, é espuma, é fermento,

bichinho álacre e sedento,

de focinho pontiagudo,

que fossa através de tudo

num perpétuo movimento.

Eles não sabem que o sonho

é tela, é cor, é pincel,

base, fuste, capitel,

arco em ogiva, vitral,

pináculo de catedral,

contraponto, sinfonia,

máscara grega, magia,

que é retorta de alquimista,

mapa do mundo distante,

rosa-dos-ventos, Infante,

caravela quinhentista,

que é cabo da Boa Esperança,

ouro, canela, marfim,

florete de espadachim,

bastidor, passo de dança,

Colombina e Arlequim,

passarola voadora,

pára-raios, locomotiva,

barco de proa festiva,

alto-forno, geradora,

cisão do átomo, radar,

ultra-som, televisão,

desembarque em foguetão

na superfície lunar.

Eles não sabem, nem sonham,

que o sonho comanda a vida,

que sempre que um homem sonha

o mundo pula e avança

como bola colorida

entre as mãos de uma criança.

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POEMA - Pedra Filosofal, In Movimento Perpétuo, 1956

2010-07-04T23:05:00.000+01:00

HÁ 150 ANOS NASCEU GUSTAV MAHLER

No vídeo apenas uma parte da Sinfonia nº1, in D major, de Mahler. O director de orquestra é o meu querido e saudoso Leonard Bernstein, à frente da Orquestra Filarmónica de Viena. A obra tem a duração de 55 minutos, estreou-se em 20 de Novembro de 1889, em Budapeste, sendo regente o próprio compositor.

É uma sinfonia primaveril, com algumas semelhanças com a sinfonia nº1 de Schumann. Faz uma descrição da natureza através do olhar inocente de uma criança que, desta forma, descobre a fragilidade e a morbidez da condição humana.

Mahler, como em todas as suas obras, revê esta composição, que na sua forma final apresenta quatro movimentos: 1. Langsam, schleppend - Devagar, arrastando (~ 16 minutos); 2. Scherzo, Kraeftig bewegt - Poderosamente agitado (~ 8 minutos); 3. Feierlich und gemessen, ohne zu schleppen - Solene e moderado, sem se arrastar (~ 11 minutos);4. Stuermisch bewegt - Agitado (~ 20 minutos).

Escutar Mahler não é fácil, mas é sublime. Ouvir o adagietto, da Sinfonia nº 5, que tão bem serviu Morte em Veneza, de Luchino Visconti, revela-nos a exigiência do compositor, a gênese de uma metafísica musical própria, a busca de uma estética que rompe a tradição, a implacabilidade de uma beleza que dói.

Mahler inquiria: 'Será sempre necessário estar morto para que as pessoas nos deixem viver?' Um grito de não conformidade, magoado pela incompreensão, limitado pelo curto e rotineiro imaginário dos outros. Um grito de quem se exprime com o Infinito como horizonte da alma.

O divino fogo de Mahler perpassa por toda a sua obra. Alguém disse: 'Bach e Mozart escreveram música, mas Gustav Mahler criou um universo'.

2010-07-04T22:08:00.000+01:00

LISTEN, ENJOY AND LEARN WITH ALANIS MORISSETTI

YOU LEARN

I recommend getting your heart trampled on to anyone

I recommend walking around naked in your living room

Swallow it down (what a jagged little pill)

It feels so good (swimming in your stomach)

Wait until the dust settles

You live you learn

You love you learn

You cry you learn

You lose you learn

You bleed you learn

You scream you learn

I recommend biting off more then you can chew to anyone

I certainly do

I recommend sticking your foot in your mouth at any time

Feel free

Throw it down (the caution blocks you from the wind)

Hold it up (to the rays)

You wait and see when the smoke clears

You live you learn

You love you learn

You cry you learn

You lose you learn

You bleed you learn

You scream you learn

Wear it out (the way a three-year-old would do)

Melt it down (you're gonna have to eventually anyway)

The fire trucks are coming up around the bend

You live you learn

You love you learn

You cry you learn

You lose you learn

You bleed you learn

You scream you learn

You grieve you learn

You choke you learn

You laugh you learn

You choose you learn

You pray you learn

You ask you learn

You live you learn

2010-07-03T21:48:00.000+01:00

TOU NUMA DE MEMÓRIA vs ROCK'n ROLL À MODA DO PORTO

Este foi o único álbum gravado pela banda Trabalhadores do Comércio em 1982. Temas divertidos, descontraídos e de premente crítica social. Bom desempenho musical.

2010-06-21T17:57:00.000+01:00

SARAMAGO, ATÉ JÁ!

1922 - 2010

A morte incita a perplexidade. A morte faz-nos sentir a temporalidade do exercício de viver.

Perante a morte adoçamos o julgamento, ficamos tolerantes... Pudera, do morto, já não advém qualquer mal, pensamos. Já não temos de o enfrentar ou disputar a sua razão.

O problema é quando o morto não morre!

(Gela-se-lhe o corpo, o coração não bate, não empurra a corrente sanguínea para o cérebro, este não desconstrói e constrói como era seu dever de rotina. A matéria desintegra-se daquela identidade, depura-se a essência da vida, reorganiza-se o cosmos, o Self dá lugar à Totalidade, à plenitude universal.)

Quando tinha 5 anos, a minha filha Alberta, com a lucidez e clareza da sua idade, questionou os pais sobre a posição doutrinária da família perante a morte.

Perguntou: ‘Se a tia vai para o céu, então como é que o caixão sobe?’ O Barroso fitou-me num meio sorriso e desviou-se: ‘Dá-lhe tu a resposta, as mulheres têm sempre as melhores explicações...’

A Alberta tem o nome do avô, meu pai Alberto. Nasceu como se lhe sucedesse, durante o período doloroso do luto. Nesta experiência de 5 anos eu havia questionado e destilado o referente experiencial da relação, o material narrativo, a simbiose afectiva, a amputação do desejo e energia vital. No fazer deste vinho, ceifado, torturado, espremido e reconvertido descobri que o meu pai não morrera porque vivera exemplarmente através das palavras, das obras e de um espírito aberto ao sonho e ao belo. Tudo o que foi importante na sua vida ficou e, em todos os dias, que ainda vivo, respiro a placidez e agência do mesmo sonho humano, de um Bem Maior.

Respondi à menina curiosa: ‘Filha, o corpo e o caixão ficam na terra, já viste como se sepultam os corpos, mas todas as coisas boas que a tia fez vão ficar connosco, para sempre. Somos responsáveis por fazê-las viver e nelas vai estar sempre a Alma da Tia.

Volvendo ao tema, o morto não morre mesmo, a não ser que a sua vida tenha sido tão negra e em desafecto, que não se vislumbre luz do espírito ou história para contar.

Saramago não levou as palavras todas, como afirmou Canavilha. Saramago entregou-nos as palavras, as obras e o espírito superior e inebriante que as fez brotar e que as tornou eternas no coração dos homens. O corpo de Saramago tomou novas formas no Cosmos, mas foi talentosa e criativa a sua viagem entre nós. É bom que saibamos dar conta do melhor que com ele aprendemos.

A melhor homenagem, agora, é concordar com o que, do seu pensamento e forma de vida, em nós converge e, respeitá-lo, discordando abertamente, de tudo, o que, a partir desse debate inteligente e humano, não podemos concordar ou entender.

FOTO - Imagem do Google - Saramago e a sua esposa Pilar del Rio

2010-06-17T00:17:00.000+01:00

FRANÇOISE HARDY - TOUS LES GARÇONS ET LES FILLES DE MON ÂGE

O disco Tous les garçons et les filles de mon âge, lançado em 1963, vende mais de dois milhões de cópias.

Não é uma questão de voz, mas de todo um estilo. A suave, longílinea e tímida Françoise deslumbrou pela sua beleza terna, os seus cabelos soltos e pelas músicas / letras, frescas e juvenis, acompanhadas à guitarra.

Je t'aime toujours Françoise!!!

TOUS LES GARÇONS ET LES FILLES DE MON ÂGE

Tous les garçons et les filles de mon âge

se promènent dans la rue deux par deux

tous les garçons et les filles de mon âge

savent bien ce que c'est d'être heureux

et les yeux dans les yeux et la main dans la main

ils s'en vont amoureux sans peur du lendemain

oui mais moi, je vais seule par les rues, l'âme en peine

oui mais moi, je vais seule, car personne ne m'aime

mes jours comme mes nuits

sont en tous points pareils

sans joies et pleins d'ennuis

personne ne murmure "je t'aime" à mon oreille

tous les garçons et les filles de mon âge

font ensemble des projets d'avenir

tous les garçons et les filles de mon âge

avent très bien ce qu'aimer veut dire

et les yeux dans les yeux et la main dans la main

ils s'en vont amoureux sans peur du lendemain

oui mais moi, je vais seule par les rues, l'âme en peine

oui mais moi, je vais seule, car personne ne m'aime

mes jours comme mes nuits

sont en tous points pareils

sans joies et pleins d'ennuis

oh! quand donc pour moi brillera le soleil?

comme les garçons et les filles de mon âge

connaîtrais-je bientôt ce qu'est l'amour?

comme les garçons et les filles de mon âge

me demande quand viendra le jour

où les yeux dans ses yeux et la main dans sa main

j'aurai le coeur heureux sans peur du lendemain

le jour où je n'aurai plus du tout l'âme en peine

le jour où moi aussi j'aurai quelqu'un qui m'aime

FOTO - Imagens do Google
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2010-06-14T23:51:00.000+01:00

Álvaro Siza, Premio Internacional Fundación Cristóbal Gabarrón

de Artes Plásticas 2010

Álvaro Joaquim de Melo Siza Vieira, agraciado pelo governo português com a Ordem de Santiago da Espada e a Ordem do Infante D. Henrique, nasceu em Matosinhos a 25 de Junho de 1933, é internacionalmente conhecido por Siza Vieira e o mais conceituado e premiado arquitecto contemporâneo português.

Hoje, 14 de Junho de 2010, Álvaro Siza é mais uma vez premiado, agora em Espanha, na cidade de Valladollid.

Reza, assim, a imprensa espanhola do dia:

'El arquitecto Álvaro Siza fue elegido hoy Premio Internacional Fundación Cristóbal Gabarrón (FCG) de Artes Plásticas 2010 según el jurado reunido en Valladolid y presidido por Salvador Andrés Ordax.

El jurado acordó por unanimidad conceder el Premio Internacional FCG de Artes Plásticas 2010 a Álvaro Siza < por la relevancia internacional de su obra, su condición de maestro de arquitectos y su defensa de una arquitectura transparente, respetuosa con el entorno donde se asienta. El jurado quiere destacar también su capacidad para desarrollar una conmovedora poética de los edificios a partir del trabajo con los espacios y la luz >.

Los miembros del jurado fallado el premio a favor del arquitecto portugués tras haber estudiado las 31 candidaturas que han concurrido a la convocatoria presentadas desde Bélgica, Colombia, España, EE.UU, Francia, India, Inglaterra, Italia, México, Portugal y Rusia, informaron a Europa Press fuentes de la Fundación.

El jurado de la categoría de Artes Plásticas estuvo integrado por el catedrático de Historia del Arte, Salvador Andrés Ordáx; el director de El Mundo de Castilla y León, Vidal Arranz; el viceconsejero de Cultura de la Junta, Alberto Gutiérrez Alberca; y Catalina Luca de Tena y García Conde, presidenta-editora del Diario ABC.

El Premio Internacional FCG de Artes Plásticas se le otorga a aquella persona, equipo de trabajo o institución cuya labor creadora en cualquiera de las diferentes áreas de expresión plástica: Pintura, Escultura, Arquitectura, Fotografía, Video Art, Instalaciones, Art Performances, High-Tech Art y demás manifestaciones, constituya una contribución excepcional y altamente destacada para la cultura universal.

Esta consideración la han recibido en anteriores ediciones: James Rosenquist (2002), Peter Eisenman (2003), Sir Anthony Caro (2004), Richard Serra (2005), Yoko Ono (2006), Markus Lüpertz (2007) y Martín Chirino (2008), Jan Fabre (2010).

El premio, una obra original en oro de 18 k. de Cristóbal Gabarrón, artista que da nombre a la Fundación, se entregará el próximo 8 de Octubre en el Teatro Calderón de Valladolid, durante el transcurso de una gala en la que se concederán los galardones a los nueve premiados en sus correspondientes categorías.'

Somos informados visitando a página online da Fundação Cristóbal Gabarrón que Siza Vieira está a projectar um edifício para a Universidade do País-Basco. O arquitecto deverá terminar esse projecto ainda este ano.

Em Portugal, Siza é responsável pelos projectos, internacionalmente reconhecidos, como o edifício da Fundação Serralves no Porto, O Pavilhão de Portugal em Lisboa ou a Igreja do Marco de Canaveses, entre muitos outros.

Recentemente Siza Vieira foi afastado pela Enatur do projeto de transformação da Fortaleza de Peniche em Pousada por discordar da intenção de criar um edifício com mais do dobro dos 30 quartos previstos para a obra. Evidenciou o arquitecto: 'A duplicação do número de quartos implicava a criação de mais dois pisos, projectei o hotel para ter a mesma altura da fortaleza, por isso aumentar o número de pisos seria uma monstruosidade'.

Casa de Chá da Boa Nova em Leça da Palmeira

Estação do Chiado - Metro de Lisboa

Biblioteca Municipal de Viana do Castelo

Igreja do Marco de Canaveses

Pavilhão de Portugal - Parque das Nações - Lisboa

Pavilhão Multiusos em Gondomar

Bairro Malagueira - Évora

Museu de Arte Contemporânea - Fundação Serralves no Porto

Biblioteca da Universidade de Aveiro

Piscina de Leça da Palmeira

Serpentine Gallery - Hyde Park - London

Schlesische - Bonjour Tristesse - Berlin

Fundação Iberê Camargo - Rio Grande do Sul - Brasil

Poliesportivo Llobregat Cornellà - Barcelona

Museo Gallego de Arte Contemporaneo

Alguns dos Prémios outorgados a Siza Vieira:

1988 - Medalha de Ouro - Superior Counsil of Arquitecture do Colégio de Arquitectos de Madrid
1988 – Prémio Mies van der Rohe Award for European Architecture - Comissão das Comunidades Europeias /Fundação Mies van der Rohe
1992 - Prémio Pritzker - Fundação Hyatt, Chicago, pelo projecto de renovação na zona do Chiado em Lisboa.
1993 - Prémio Nacional de Arquitectura - Portugal 1993
1996 – Prémio Secil
1998 – Medalha Alvar Aalto
1998 – Prémio Valmor
1998 – The Prince of Wales Prize da Univversidade de Harvard
2000 –Prémio Secil
2001 –Wolf Prize in Arts
2002 – Prémio de Ouro da Bienal de Arquitectura de Veneza
2005 –Urbanism Special Grand Prize of France
2006 –Prémio Secil
2008 –Royal Gold Medal for Architecture – Royal Institute of British Architects
2009 -RIBA -Royal Institute of British Architects - Royal Gold Medal 2009
2010 - Premio Internacional Fundación Cristóbal Gabarrón (FCG) de Artes Plásticas 2010

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2010-06-14T20:46:00.000+01:00

LA VIE EN ROSE - EDITH PIAFF

Edith Gasson, de nome artístico Edith Piaf, nascida em 19 de Dezembro de 1915, realiza uma narrativa de vida em que se inscrevem a realidade e a lenda, sem que saibamos onde limitar uma ou outra dimensão.

Filha de um vendedor de rua, viveu em completa miséria a sua infância e, aos 15 anos, foi na rua que começou a cantar.

Só em 1935 é ouvida por Luis Leplée, filho de um cantor da época, que a contrata pagando 40 francos por cada uma das suas actuações nocturnas.

É, então, a partir dos 20 anos, que a carreira de Piaf desperta, convertendo-a em Diva para a eternidade. Piaf faleceu com 47 anos mas, as canções que ficaram, ecoam no imaginário colectivo e no coração de quem privou com tal voz, profunda e soberbamente dramática.

O poema de La Vie en Rose foi escrito pela própria Piaf e a melodia desenhada por Louis Gugliemi, músico catalão de ascendência italiana. A canção recebeu o Grammy Hall of Fame Award em 1998.

LA VIE EN ROSE

Des yeux qui font baisser les miens,

Un rire qui se perd sur sa bouche,

Voilà le portrait sans retouche

De l'homme auquel j'appartiens

Quand il me prend dans ses bras

Il me parle tout bas,

Je vois la vie en rose.

Il me dit des mots d'amour,

Des mots de tous les jours,

Et ça me fait quelque chose.

Il est entré dans mon coeur

Une part de bonheur

Donc je connais la cause.

C'est lui pour moi. Moi pour lui

Dans la vie,

Il me l'a dit, l'a juré pour la vie!

Et dès que je l'aperçois

Alors je sens en moi

Mon coeur qui bat

Des nuits d'amour à plus finir

Un grand bonheur qui prend sa place

Les ennuis les chagrins s'effacent

Heureux, heureux à en mourir.

Quand il me prend dans ses bras

Il me parle tout bas,

Je vois la vie en rose.

Il me dit des mots d'amour,

Des mots de tous les jours,

Et ça me fait quelque chose.

Il est entré dans mon coeur

Une part de bonheur

Dont je connais la cause.

C'est toi pour moi. Moi pour toi

Dans la vie,

Il me l'a dit, l'a juré pour la vie!

Et dès que je l'aperçois

Alors je sens en moi

Mon coeur qui bat.

FOTOS - Imagens do Google. Edith Piaff - criança; Cri du Coeur - La Piaf pour Muirin.
VÍDEO - You Tube

2010-06-08T21:34:00.000+01:00

SISSI, BIA, PRÉSEN MARY, MARGARIDA, PAULA, ALCINA

GANG DOS SALTOS ALTOS

(HIGH HEEL GANG)

É com uma enorme inveja que admiro o equilíbrio e harmonia de uns pés soberbamente calçados, elevados por um salto ou um stiletto de bom tamanho. Nem todas se atrevem! Umas porque prezam o conforto corriqueiro da sola rasa, outras porque lhes é clinicamente negado tal feminilidade e as demais porque não possuem o fino meneio, a postura graciosa e a sagesse das minhas queridas amigas – O GANG DO SALTO ALTO.

Andar nas nuvens para uma mulher tem tudo a ver com a beleza, a qualidade material e o design de um dos adereços mais apetecidos pelo sexo feminino – Os sapatos.

Não é uma mania da nossa época já que o sapato, nas suas múltiplas e encantadoras formas, tem sido, ao longo da História, ícone de desejo, muito para além de objecto de protecção e conforto.

Em 10.000ac, nas cavernas paleolíticas de França e Espanha, aparecem pinturas que revelam a existência de calçado.

Na China, o culto dos pés exigia o uso de sapatos femininos que não podiam exceder os 15 cm. Para calçá-los, as mulheres enfaixavam os pés num pequeno cilindro, impedindo-os de crescer normalmente.

Na Mesopotâmia, há 3200 anos, documenta-se a confecção de calçado, executado com tiras de couro macio, que permitia percorrer os trilhos das montanhas.

No Antigo Egipto (3100ac – 32 ac), os nobres usavam sandálias de couro sendo as dos Faraós adornadas com peças de ouro.

Detentores de uma cultura vanguardista no domínio da política, da filosofia, da ciência e das artes, os Gregos, não descuram a moda e no que diz respeito ao calçado chegaram a usar um modelo diferente em cada pé.

No Império Romano o calçado permitia fazer a diferenciação dos grupos sociais. Os senadores usavam sapatos castanhos, dos quais partiam quatro tiras amarradas no tornozelo com dois nós. O calçado dos cônsules era branco como as suas vestes. As legiões usavam botas de cano curto e às mulheres era permitido o uso de várias cores no calçado: branco, vermelho, verde ou amarelo.

A maioria dos sapatos, na Idade Média, tinha a forma de sapatilhas e os nobres e os cavaleiros usavam botas de boa qualidade.

Na Inglaterra, no século XIV, os sapatos ingleses ficaram tão pontiagudos que se tornaram perigosos. O rei Eduardo III produziu um decreto que limitava o bico dos sapatos para o máximo de cinco centímetros. Ignorando esta lei, os sapatos ingleses, da época, chegaram a ostentar 50 cm de comprimento. Para conseguir caminhar, era necessário prendê-los à cintura com um cordão de seda.

Por volta de 1600, em Veneza, o calçado ostentava plataformas tão altas que quem o usasse precisava da ajuda dos criados para se movimentar.

Na França, no século XVI, os sapatos ficaram tão estreitos que para calçá-los os pés precisavam ficar mergulhados durante uma hora em água gelada.

A invenção do salto alto, parecido com o que hoje se usa, é atribuída a Catarina de Médici. Filha de uma distinta família italiana de Florença, Catarina foi a Paris para casar com o futuro Henrique II da França. Por ser pequena, carregou na bagagem vários sapatos feitos por um artesão italiano com saltos que a faziam parecer mais alta. A novidade tornou-se grande moda entre a aristocracia francesa. Homens e mulheres usaram os saltos altos, durante os séculos XVII e XVIII, como uma marca de privilégio social. Só os indivíduos ricos e bem nascidos podiam usá-los.

Ainda em Inglaterra, com o rei Eduardo (1272-1307) surge o fabrico de calçado em série, numerado. A fábrica de Thomas Pendleton executa a primeira encomenda em série de que há registo: 4000 pares de sapatos e 600 pares de botas para o exército. No início do século XVIII, em plena Revolução Industrial, surgem as primeiras máquinas que fabricam calçado em larga escala.

Em 1800, os high heel descobriram a América, o cenário ideal para crescerem ainda mais. O show icónico iniciou-se nas casas suspeitas de New Orleans. Estas importavam jovens francesas que usavam saltos altos. Foi tão avassalador o seu êxito junto dos clientes que em 1890 inaugurou-se a primeira fábrica de sapatos high heel no Massachusetts.

É no século XX que a moda atinge o clímax servida por novos materiais, novas técnicas e tecidos. Ao calçado é prestada uma enorme atenção e a sua confecção, além da artesanal, passa a ser sectorizada pelo design, modelagem, confecção, distribuição. Surge a necessidade de diversificar o tipo de calçado consoante as funções, a profissão, as actividades e os acontecimentos sociais.

Em 1955, o desenhista de sapatos Roger Vivier criou para o costureiro francês Christian Dior o salto agulha, o stiletto. Este salto era tão fino que exigia uma estrutura de ferro para não quebrar.

Desde então, para o desespero dos ortopedistas, os saltos não pararam de aumentar na importância e nos centímetros, evoluindo para muitas outras opções de design.

A partir dos anos 80 a moda é seguida não apenas pelos grupos sociais com maior poder de compra mas, o consumo de produtos de grife, generaliza-se à classe média.

Surgem os sapatos assinados por estilistas notáveis, artigos de luxo vendidos por preços exorbitantes, que são depois copiados pela indústria do calçado respondendo à avidez do consumidor médio.

O calçado, assim como outros adereços, foram e são, forma de expressão de uma sociedade, da cultura de um grupo. Icónicos, transcendem a sua função utilitária para expressar status, fétiche, criatividade, resignificando a identidade de quem por eles deixa a sua marca!

E o que vos digo amigas, é:

PODEROSAS!!!

SUSTENTAÇÃO HISTÓRICA - Universo da Mulher - AIT; Ruiz, R. Silva (2004) Sapatos: Imagem fétiche na arte comtemporânea. Ceac - Udesc.

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2010-06-06T23:54:00.000+01:00

COISAS PEQUENAS / DETALHES / PORMENOR

ou

PENSANDO COM JULMAR

O meu amigo Julmar afirmava hoje ser o detalhe, o pequeno traço, que determina a singularidade do Self, a marca registada da diversidade na criação.

Fez-me pensar na Obra de Arundhati Roy, The God of Small Things, que conta as experiências da infância, na qual, dois gémeos fraternos se tornam vítimas das pequenas coisas da vida. São estes detalhes que, ao determinar o comportamento dos diversos personagens à sua volta, vão tecer a inevitabilidade do seu destino. O livro foi, em 1997, alvo do Prémio Booker e tornou-se um best-seller na Índia.

O romance tenta captar a intimidade dos detalhes da vida quotidiana, sem se prender com uma análise intelectual dos grandes eventos. Metonímico, na construção de uma história por contraste com a História, preconiza que a grande visão da História tem exercido uma influência irresistível sobre o indivíduo e a construção da sua narrativa identitária. Essa História que negligencia o detalhe e exerce o poder totalitário e opressivo de uma visão/lição teocrática de política, economia e cultura dominantes.

No vídeo, o João Negreiros, irreverentemente jovem, autor dramático, poeta e actor, interpreta a própria obra, desconstruindo e reconceptualizando, em puro divertimento, a importância do pormenor, como determinante absoluto do processo encadeado dos acontecimentos da vida.

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